미국 뉴욕의 심장부 맨하튼에 위치한 School of Visual Arts(SVA)는 뉴욕의 대표적인 아트스쿨 프랫, 파슨스와 더불어 뛰어난 졸업생들을 배출하는 것으로 유명한 학교다. 이곳 SVA에서 컴퓨터 아트(Computer Arts) 과목의 논문 지도를 담당하고 있는 홍인표 교수를 만났다.

CGland _ 안녕하세요. 취재에 응해주셔서 감사합니다. 간단히 소개를 부탁드립니다.

안녕하세요. School of Visual Arts(이하 SVA)에서 교수로 재직 중인 홍인표입니다. 대학시절에 학부에서는 전기공학을 전공했던 공학도였습니다. 졸업 후에는 대기업 전자회사에서 근무하기도 했었죠. 어려서부터 미술과 영화 등에 늘 관심이 많았는데 1990년대 접어들면서 <터미네이터>, <쥐라기 공원> 같은 CG기술이 돋보이는 영화들을 접하게 되면서 컴퓨터그래픽을 공부하고 싶다는 생각을 하게 되었습니다. 그러던 중 최초의 장편 3D 애니메이션인 <토이 스토리>를 보고 굉장한 충격과 감명을 받고 먼저 유학을 떠났던 친구의 도움으로 SVA라는 학교의 정보를 얻게 됐고, 회사를 그만두고 유학을 결심하게 되었습니다.

1997년에 현재 재직 중인 SVA의 Computer Art 학과에 입학을 했고, 졸업 후에는 Clever Image라는 회사에서 라는 당시로서는 드물게 여겨지던 TV용 3D 애니메이션 시리즈 제작에 참여해 실무 경험을 쌓았습니다. 2001년부터 모교(SVA)에서 워크숍 등으로 강의 능력을 인정받아 2004년부터 정식으로 교수직을 맡게 됐습니다. 같은 해에 제너럴리스트로서 Wimze Studio의 3D Animation 의 모든 캐릭터의 모델링과 리깅작업, 렌더링 등을 담당했습니다.

2005년에는 현재 중앙대학교 첨단영상대학원에 교수로 재직 중인 절친한 후배인 김탁훈 감독과 함께 <목욕탕(Public Bath)>이라는 단편 애니메이션을 제작해 New York International independent Film and Video Festival에서 ‘Best Short Animation’상을 수상하며 호평을 받기도 했습니다. 한국에는 부천판타스틱영화제를 통해 소개된 바 있습니다.

현재 SVA 내에서는 렌더링과 컴퍼지팅에 관련된 과목과 논문 지도를 담당하고 있으며 외적으로는 디지털 인스톨레이션 아트 분야의 프로젝트에 참여하고 있습니다. CG 기술을 이용한 디지털 아트웍의 제작과 이것을 이용한 다양한 형태의 디지털 인스톨레이션을 구현하는 것인데, 간단히 말하자면 미술품 제작에 있어 CG를 이용하는 것입니다. CG 기술의 활용도는 대단히 다양한데 3D의 모델링 기술을 이용하여 디지털 스컬처를 만든다거나 CG로 제작한 영상을 첨단 디지털 프로젝션을 통해 공간적인 설치미술 등에 이용합니다. 또한 프리비주얼라이제이션으로서 3D의 가상공간에서 인스톨레이션을 미리 시뮬레이션을 해봄으로써 그 결과를 미리 예측하는데 활용되기도 합니다.

그 동안 제너럴리스트로서 쌓은 경험과 공학전공자로서의 지식이 학생들을 가르치는데 있어서 많은 도움이 되고 있습니다. 또, 개인적으로 상당한 재미를 느끼고 있으며 CG 전공자가 아닌 다양한 장르의 아티스트들과 합작하며 교류를 나눌 수 있는 것도 큰 매력이라는 생각을 갖고 있습니다. 케니 샤프(Kenny Scharf), 마이클 서머로프(Michael Somoroff), 마이클 리스(Michael Rees) 등과 같은 유수의 아티스트들과 함께 프로젝트를 하고 있습니다.

CGland _ 지금 계신 School of Visual Arts(Computer Arts 대학원)에 대한 소개를 부탁드립니다.

School of Visual Arts(이하 SVA)의 대학원 과정인 Computer Art 학과는 석사과정으로, 미국 최초로 1986년에 개설됐습니다. 오랜 역사와 함께 뉴욕 ‘맨하튼’이라는 예술계 학교로서는 더할 나위 없이 좋은 주변 환경과 최신 시설 및 기자재 등으로 매우 높은 인지도를 자랑하며 세계 각국 출신의 뛰어난 잠재력을 지닌 유학생들이 항상 줄을 잇고 있습니다. 매년 50여명의 신입생이 선발되고 있는데 애니메이션을 비롯하여 텔레커뮤니케이션, 멀티미디어, 인스톨레이션 등 다양한 전공을 선택할 수 있습니다. 이 중에서 약 20여 명의 학생들이 애니메이션을 전공합니다.

한국을 비롯해 대만, 중국 등의 아시아계 유학생들이 많고 학교생활은 항상 화기애애합니다. 작업 환경에 많은 투자를 하고 있어 HD급의 촬영과 편집 장비를 비롯해 하드웨어, 소프트웨어는 최신의 것들을 이용하고 있습니다. 특히 2007년에는 학과 전체를 최신 시설로 리노베이션을 하여 쾌적한 환경에서 작업할 수 있도록 했습니다. 제가 학생들을 지도하면서 가장 중요하게 생각하는 것이라면 일단 학생의 입장이 되어 생각하고 그들이 가지고 있는 잠재적인 능력을 최대한 끌어낼 수 있도록 도와주는 것이라고 생각합니다. 제가 부임한 이후 직접 논문 지도한 작품들(2009 Matter, In a Quiescent State, Prepares Itself to Be Transformed, 정귀범, 2008 Simulacra, Tatchapon Lertwirojkul, 2007 Mirage, 장영웅, 2004 Rock The World, 신석원)이 2004년, 2007년에서 2009년에 걸쳐 전미 학생 아카데미 수상작으로 선정됐는데, 대단한 영광이라 생각하며 자부심을 갖고 있습니다.

CGland _ 교수님이 제작하신 최근 작품인 ‘Unbelievable Four’가 SIGGRAPH 2009에서 수상했다는 소식을 들었습니다. 어떤 작품인가요?

이 작품으로 2009년 8월 뉴올리언스에서 개최된 시그라프 애니메이션 페스티벌에서 ‘Well Told Fable Prize’를 수상했습니다. 작품의 배경은 함께 참여했던 신석원 감독의 아이디어로 출발했습니다. 신 감독은 2004년에 란 뮤직비디오 형식의 애니메이션으로 시그라프에 진출했는데 그때 제가 논문을 지도한 적이 있어 작품의 성격과 구체적인 방향 등을 설정하는데 공통된 시각으로 접근할 수 있었습니다.

작품의 개요는 부시 전 대통령과 그의 각료 3명(럼스펠드, 라이스, 체이니)으로 구성된 ‘Unbelievable Four’라는 수퍼히어로팀이 지구를 침공하는 외계의 악의 무리로부터 지구를 구해내려다 오히려 인류에 해를 끼치게 된다는 이야기입니다. 1980년대 헤비메탈 그룹인 유럽(Europe)의 ‘Final Countdown’에 맞춰 뮤직비디오 형식으로 제작됐습니다. 4분 30초 분량으로 4명의 정치인이 록스타가 되어 콘서트 무대를 선보이는 공연 부분과 각 멤버가 출동호출을 받고 발사대기 중인 우주선으로 향하는 과정을 시네매틱으로 담은 시퀀스가 서로 교차되어 펼쳐지는 형식입니다. 신 감독이 캐릭터 개발과 애니메이션을 담당했고 제가 쉐이딩과 라이팅, 컴퍼지팅을 맡아 최종 그림을 완성했습니다.
 

신 감독과는 대학원 동기이고 제 제자이기도 한 김준회 감독이 아트디렉터로 참여해 세트 모델링 부분에 많은 도움을 주었습니다. 이렇게 3인 프로젝트의 체계를 갖춰 작업을 진행했는데, 각 자 여가시간을 할애하여 작업을 진행한 데다, 지역적으로도 멀리 떨어져 있는 상태에서 단 한 번의 미팅도 없이 전화와 이메일만으로 작업을 진행해야 했습니다. 그렇기 때문에 작업 속도는 상당히 더디게 되었고 목표했던 미국 대선 이전에 발표할 수 없었습니다. 애석함이 남는 부분입니다.

작품에 사용된 대표적인 소프트웨어로는 Maya와 Shake로, 일반적인 데스크탑급의 워크스테이션에서 작업이 이루어졌습니다. 렌더링은 Mental ray를 이용했고, HD급의 영상을 요구하는 페스티벌을 위해 720p HD를 겨냥해 렌더링을 했습니다. 시그라프 등의 페스티벌에서는 1080p로 업스케일링 하여 상영했는데 1080p급으로 확대하는 과정에서 Lanczos 필터를 사용하여 블러 현상을 최소화 했습니다. 도시 장면의 시네메틱 부분은 글로벌 일루미네이션이 사용되었고, 전체적으로 암울한 분위기를 내는데 초점을 두었습니다. 콘서트 장면에서는 조명의 변화가 다양하기 때문에 직접 조명 위주로 화려하면서 강열한 느낌을 연출하도록 했습니다.

작품에 대한 호응은 매우 좋았습니다. 이미 부시 정권의 몰락과 미국 경제의 위기가 전 세계적인 파급효과를 낳고 있던 상황이라 작품이 시사하는 바가 적절한 공감을 불러일으켰다고 봅니다. 시그라프에서 상을 받은 이래 이 작품은 Florida, Annecy, Athens, Ars Electronica, Woodstock, Anima, Atlantic, 부천판타스틱영화제 등 세계 유수의 영화제에서 상영되었습니다. 지금도 계속해서 초청을 받고 있습니다. 시그라프에서는 작품을 상영할 때 직접 참관했었는데 상영 당시 관객들의 호응을 관찰해 보는 것도 큰 즐거움 중에 하나였습니다. 또 시그라프의 인기 이벤트이기도 한 Forge에 초청되어 멘토로서 참가자들을 지도했던 것도 이번 작품을 통해 부수적으로 얻게 된 경험이었습니다.

CGland _ 최근 작업하고 계시는 프로젝트에 대해 소개해 주시죠.

현재 작업 중인 프로젝트는 ‘디지털 포토 쇼’인데요. 일종의 ‘사진전’입니다만 기존의 것과 차별되는 부분이라면 정적인 사진에 3D 애니메이션을 첨가하여 살아있는 사진으로 탈바꿈 시킨다는 것입니다. 이것을 액자 대신 플랫패널 디스플레이에 담아 전시하거나 프로젝션으로 투영하는 것입니다. 아직 미발표된 작품이라 관련 이미지를 보여드릴 수 없는 점이 아쉽습니다.

CGland _ 개인적으로 선호하는 소프트웨어나 프로그램이 있다면?

Maya를 베타 버전 때부터 사용해 오고 있습니다. 당시가 1998년이었으니 10년도 넘었네요. 그 전에는 Maya의 전신이라고 할 수 있는 Alias사의 Power Animator를 사용했는데 당시 Power Animator는 사용자 친화적인 인터페이스가 큰 장점이었죠. 이를 더욱 발전시킨 프로그램이 바로 Maya로 많은 매력이 있습니다. 더구나 Maya는 PC 환경으로의 포팅이 자연스럽게 이뤄졌고 데스크탑급 환경에서도 무리없이 돌아갈 정도의 빠른 인터액션과 Node 기반의 아키텍처를 갖고 있어 3D업계에 혁명적인 변화를 가져왔다고 해도 과언이 아니지요. 격세지감을 느끼는 부분은 동종 업계의 저가시장을 주도하던 오토데스크가 천하통일을 이루었다는 점입니다. 아쉬움도 함께 하는 부분이라고도 하겠습니다. 한때 Maya, Softimage, 3ds Max가 라이벌 구도를 이뤄 경쟁적으로 개발을 했던 삼국시대(?)가 그리워지건 단순히 과거에 대한 저만의 연민은 아닐 거라고 생각합니다.

한편, 컴퍼지팅 프로그램으로는 Node 기반의 유연한 워크플로우를 장점으로 지닌 Shake를 오랜 동안 사용해 왔습니다. 이 툴은 단종된 이후 후속 제품의 출시도 기약이 없는 가운데 Nuke와 Fusion, 그리고 Maya와 한 패키지로 출시된 Toxik의 경쟁을 지켜보고 있습니다. 저는 Nuke를 선호하는 편입니다. 아무래도 오랜 동안 Shake에 익숙해 있는 터라 Nuke의 유연한 인터페이스를 Shake와 흡사하게 설정해 놓고 사용하면 큰 불편없이 사용할 수 있습니다. Toxik도 Maya와 워크플로우를 개선해 나가면서 Maya 유저들을 품에 안으려는 행보를 계속해서 보여주고 있는데 한 동안 두고 볼 재미있는 경쟁이 될 것 같습니다. 

CGland _ 최신 프로그램과 소프트웨어에 대한 관심은 어느 정도 가지고 계신지요? 새로운 기술을 빠르게 접목시키는 편이신가요?

최신 프로그램에 대해 항상 어떻게 변할 것인지 동향을 살펴야한다는 저주스런(?) 의무감을 갖고 있습니다. 새로운 기술이나 프로그램에 대해 남들 보다 먼저 알고 대비하고 있어야 학생들에게 보다 빠른 정보를 제공하고 방향을 제시할 수 있으니까요. 무슨 프로그램의 새 버전이 나왔다는 얘기를 들으면 거의 반사적으로 새로운 기능에 대한 문서 등을 체크합니다.

물론 상용 소프트웨어에 새로이 적용된 기술들은 대부분 최근 수년간 시그라프 등을 통해 발표된 신기술 등이 효용성을 인정받고 상업적인 가능성까지 검증을 거쳐 제품화 된 것이기 때문에 학술 발표를 관심 있게 살펴보면 향후 수년간의 전망을 하는데 많은 도움이 됩니다.

CGland _ 지금까지 작업하시면서 가장 도전적인 작품은 꼽는다면?

도전적인 작품을 딱 하나만 꼽기란 어렵습니다. 매 작품이 도전이라는 생각과 더불어 어떤 작품을 하더라도 그 안에 자신이 도전해야 할 부분을 찾아서 만드는 것이 중요하다는 마음가짐을 갖고 있습니다. 새로운 기술을 이용하거나 새로운 장르의 무언가 해보지 않은 부분이 있다면 그 자체로 큰 도전이죠.

팝아트 분야에서 전설적인 아티스트 중의 한사람으로 칭송받고 있는 케니 샤프와 함께 작업을 했던 것이 기억에 남습니다. 제 디지털아트 분야에서의 첫 프로젝트이기도 하며 아트를 즐기면서 쉽게 하는 듯한 케니 샤프의 모습이 신선한 영감을 가져다주기도 했습니다. 프로젝트의 내용은 놀이터의 놀이기구를 예술적인 가치를 지닌 조형물로 재창조하는 작업이었는데, 케니 샤프의 특유의 만화적인 스타일과 캐릭터를 놀이기구 디자인에 접목시켜 예술품을 우리의 실생활에서 가까이 접함과 동시에 아이들로 하여금 일찍부터 아트적인 환경에 친숙해질 수 있도록 하는 목적을 지니고 있었습니다. 케니 샤프가 3D 작업의 과정과 결과물을 보고 감탄하며 CG 기술이 아티스트의 영역의 한계를 넓히는데 얼마나 큰 역할을 할 수 있는지에 대해 경외스러운 찬사를 보냈던 일이 기억납니다.

뉴욕의 첼시에 전시되었던 마이클 서머로프의 디지털 인스톨레이션도 기억에 남습니다. 이라는 이름의 이 작품에는 일종의 돔 프로젝션이 이용되었는데, 4k 크기의 파노라마 렌더를 4:3 비율의 이미지로 워핑한 후 피시아이 렌즈를 장착한 디지털 프로젝터를 통해 실린더 형태의 스크린에 투영하는 시도였습니다. 이렇게 하여 실린더 형태의 방안에 선 관객이 마치 3D의 가상공간 안에 있는 듯한 느낌을 갖게 됩니다. CG와 디지털 프로젝션이 결합된 공간디지털 아트의 좋은 예라고 하겠습니다.

독일 쾰른의 세인트피터 성당에 설치되었던 라는 이름의 대형 인스톨레이션도 빼놓을 수 없겠습니다. 성서에 기술된 홍해의 기적을 목재조형물을 통해 형상화 한 작품인데 3D 시뮬레이션이 없었더라면 제작 자체가 어려웠을 거라는 생각이 들 정도로 디자인과 작업과정이 난해했던 프로젝트였습니다. 수천 개의 목재로 이루어진 최종결과물의 디자인이 Realflow의 시뮬레이션으로 시작되었다는 것을 짐작하기는 쉽지 않을 것입니다.

CGland _ 최근 들어 국내보다는 해외로 유학을 떠나는 학생들이 많은 것 같습니다. 국내 교육의 보완점이나 유학의 장단점에 대해 말씀해 주시죠.

해외 유학의 목적을 단순히 교육적인 견지에서 해석해서는 안 된다고 생각합니다. 국내의 교육 환경이 해외에 뒤떨어져서 유학을 선택한다기 보다는 보다 다양한 가능성에 수월하게 노출될 수 있는 기회를 위한 것이 유학이라고 생각합니다. 저도 학교에서 매년 새로운 한국 유학생들과 타국의 유학생들과 많은 교류를 하고 있지만 역시 졸업 후에는 미국에서의 취업을 1차적인 목표로 가지고 있는 이들이 대부분입니다. 제가 지도하고 있는 학생들은 석사과정에 있으므로 대부분 학부에서 애니메이션을 전공한 후 유학을 왔거나 혹은 실무 경험을 갖고 있으면서 보다 좋은 환경에서 더 많은 경험을 쌓고, 큰 프로젝트에 참여해 보고 싶은 바램들을 갖고 있습니다.

한국의 교육 환경을 외국과 비교했을 때 큰 차이가 있다고 생각하진 않습니다. 한국의 CG관련 학과들의 연혁이 짧아 그 동안 체계가 덜 잡힌 감은 있었겠지만 점점 나아지고 있고 좋은 인력들이 많이 배출되고 있습니다. 다만 워낙 전문성을 필요로 하는 분야이고, CG기술이 항상 발전하고 있어 가르치는 입장에서도 늘 재교육을 필요로 하는 터라 한 사람이 여러 과목을 심도 있게 다루기는 쉽지 않은 것이 현실입니다. 학교 측에서도 다방면의 실무 경험자들을 섭외하여 학생들에게 보다 실질적인 교육 내용을 제공하는 적극적인 모습을 보여줘야 한다고 생각합니다.

CGland _ 유학을 준비 중인 분들에게 한 말씀 조언을 부탁드립니다.

무엇보다도 어학이 가장 중요하겠죠. 우리 한국 학생들은 소프트웨어를 다루는 능력이나 기본적인 예술 감각이 매우 뛰어납니다. 그리고 작업에 대한 노력도 최고 수준이니 당연히 양질의 작품을 만들어 냅니다. 하지만 언어적인 어려움으로 인해 불이익을 감수해야 하는 경우가 많습니다. 특히 졸업 후 취업을 목표로 하는 경우라면 일정 수준의 의사소통은 기본적으로 요구됩니다. 적어도 자신이 하고 있는 작업의 내용을 설명할 수 있을 정도의 수준은 되어야 합니다.

또한, 기술적인 용어에도 익숙해져야 하는데 원어로 된 매뉴얼 등을 숙독하는 버릇을 기르고 인터넷 등에서 구할 수 있는 비디오 튜토리얼 등을 반복해 들으며 간접적으로라도 자주 사용되는 기술적인 용어들에 꾸준히 노출되도록 노력하길 권합니다. 단기간 내에 습득하기는 어려운 부분이니 유학을 준비 중이라면 3~4년 후를 내다보고 정진해야 합니다. 또한, 졸업 후에 취업을 목표로 하는 학생들은 비자 취득요건과 방법 등에 대해 사전지식을 가지고 있으면 많은 도움이 될 것입니다.

CGland _ 최근 미국 영화시장이 입체영상을 많이 사용하는 것 같습니다. 혹자는 불법 다운을 막기 위한 방법 중에 하나라고도 말하는데, 어떤 이유에서 입체영상 작품이 늘어난다고 생각하십니까?

입체영상은 1800년대 후반에 처음 등장하여 50~60년대의 미국에서 한때 인기를 끌기도 했습니다만 상영하는데 있어 두 개의 영사기를 필요로 하는 등 합당한 상영조건을 필요로 했고, 기술적인 측면과 제작비적인 측면에서 볼 때 장편의 작품들을 양산하기에는 어려운 점들이 많았습니다. 특히나 조악한 퀄리티에 어지러움 등의 불편이 있었기 때문에 한때를 풍미했을 뿐 기존의 영화를 대체할 순 없었습니다. 그러나 CG와 디지털 프로젝션 기술의 발달에 힘입어 최근 입체영상의 붐이 다시 일고 있습니다.

갈수록 늘어가는 홈시어터 기기와 인터넷, 게임콘솔 등의 보급으로 영화 관객을 빼앗기고 있다는 위기감을 갖게 된 할리우드의 영화사들이 대응방안으로서 새로운 관람요소의 필요성을 절감하게 되었죠. 2000년대 중반 ‘RealD’라는 새로운 입체영상 구현 기술이 등장합니다. 이는 기존 2개의 영사기를 필요로 했던 입체영상을 1개의 디지털 프로젝터로 구현하며 영상의 퀄리티와 쾌적한 관람도 또한 매우 우수한 획기적인 방식으로서 현재 미국 내 3D 영화관의 90%를 점유하고 있습니다. 이에 할리우드의 제작사들은 새로이 등장한 RealD 기술에 힘입어 높은 수익성을 전제로 입체영화를 앞다퉈 경쟁적으로 제작하는 붐을 이루게 됩니다. 실제로 입장수익 면에서도 입체영화의 효과를 본 좋은 사례로는 2004년 개봉한 <폴라 익스프레스>의 경우 총수익의 약 30%를 3D 상영관인 IMAX를 통해 얻었다고 합니다.

그러나 입체영화의 미래를 불투명하게 바라보는 시각도 있습니다. 아직은 디지털 입체상영관이 전체 상영관의 5% 정도에 불과하고 기존의 영화관을 디지털 상영관으로 전환하는데 많은 시간과 비용을 소모해야 하는 위험요소가 있는데다 경제적으로 어려운 시기에 과연 관객들이 30%를 상회하는 추가비용을 더 지불하고 입체영화관을 선택할 것인지 의문이라는 주장입니다. 신작 <아바타(Avatar)>가 비록 초반이지만 총수익의 절반이 RealD 상영관이라고 합니다. 과연 입체영화의 트렌드가 과거의 전례를 답습하게 될지 할리우드의 효자 노릇을 할지 귀추가 주목됩니다.

CGland _ 한국 CG산업이 더욱 발전하기 위해 필요한 부분이 있다면 무엇이라고 생각하십니까?

당연한 얘기겠지만 일단 우리 손으로 만든 영화와 애니메이션에 대한 관심이 제일 중요하다고 생각합니다. 일본인들의 자국 애니메이션에 대한 사랑과 자부심 같은 것이 부러울 따름이죠. 또한, 애니메이션은 아이들의 전유물이라는 인식도 점차 바뀌고 있다고 봅니다만 아직은 시간을 필요하다는 점도 아쉽습니다.

미국의 극장용 장편 애니메이션의 관객이 어린이들 못지않게 성인층이 큰 비율을 차지하고 있는 경우를 볼 때면 그 만큼 성인들도 함께 즐길 수 있는 요소들을 두루 갖추고 있다는 것을 간과할 수 없습니다. 가끔 아빠의 손을 잡고 극장을 찾은 꼬마가 관람 도중에 졸고 있고 아빠는 오히려 몰입해서 즐기는 모습을 보면 웃어넘길 일만은 아니라는 생각이 듭니다. 돈(영화 관람료)은 아빠가 내기 때문이죠.

CGland _ 앞으로 개인적인 목표나 비전, 참여하실 작품에 대해 말씀해 주십시오.

머지않은 시기를 목표로 집필 중입니다. 한국에서 팔리는 책들이 상당 부분 매뉴얼 번역서 수준을 크게 넘지 못하고 있고 CG의 기초적인 원리에서부터 체계적으로 기술한 전문서적이 부족한 터라 그 동안의 경험을 바탕으로 기초적인 원리에서 출발해 실질적으로 어떻게 구현할 것인지에 대해 학생의 입장에서 이해하기 쉽도록 책을 쓰고 싶습니다. 멀고도 험한 CG의 여정에 늘 친구와 같은 역할을 해줄 만한 그런 책이면 더 좋겠습니다.

다음 작품은 인간미가 가득한 마음이 따뜻해지는 스토리를 구상하고 있습니다. 지난 아카데미의 단편 애니메이션 수상작인 는 2D 애니메이션이었죠. 대사 한마디가 들어있지 않은 작품이었지만 큰 감명을 받았습니다. 만인의 공감을 얻을 수 있는 좋은 이야기라면 2D, 3D의 구분이 없다고 생각합니다. 그런 작품을 만들고 싶은 바램입니다.

■ 글 _ 조영만 프리랜스 기자