<기어즈 오브 워>(Gears of War : PS2), <갓 오브 워2>(God of War2 : PS2), <사일런트힐>(Silent Hill : PSP) 등 영화 못지않은 화려한 영상을 자랑하는 유명한 게임 속 시네메틱을 제작한 회사는 테크니컬러. 우리에게는 좀 낯선 회사지만 그들의 작품을 보면 상당한 내공을 가진 회사라는 걸 알 수 있다. 테크니컬러에서 활약하는 한국인 이병헌 리드 라이트 아티스트를 통해 세계적인 시네메틱에 대해서 알아본다

먼저 자기소개를 부탁드립니다.

안녕하세요. 이병헌입니다. 미국 샌프란시스코에 위치한 아카데미 오브 아트 (Academy of Art University)에서 VFX & Animation을 전공하고, 현재는 테크니컬러 (Technicolor-Thomson) 시네메틱 부서에서 리드 라이팅 아티스트로 일하고 있습니다. 이렇게 <월간 CGLAND>를 통해 인사드리게 되어 반갑습니다.

아티스트가 되기로 결심한 때는 언제인가요?

대학에서 디자인을 전공 했을 땐 제가 가고 싶은 길이 무엇인지 전혀 몰랐습니다. 한마디로 꿈이 없었다고 해야 할까요? 창조적인 디자인을 하기 보단 그냥 틀에 짜여 있고 취업을 위한 공부에 지쳐 제 자신이 진정 무엇을 원하는지 몰랐던 방황의 시기였던 것 같습니다. 그러다 미야자키 하야오의 애니메이션을 접하게 되었고 그의 작품세계에서 애니메이션은 단순한 만화가 아닌 한편의“아름다운 동화”란 의미를 다시금 알게 됐습니다. 80년대에서 90년대 중반엔 일본의 애니메이션을 국내에서 접하기는 힘들었습니다. 그래서 직접 일본에 가서 작품을 구입하기도 했습니다.

몇 번이고 반복해서 애니메이션을 즐겨봤던 것 같습니다. 그가 창조하는 색상이며 스토리에 빠져 있었고, 미야자키 하야오의 자서전을 보고 감명을 받기도 했는데, 그의 자서전에서 존 라세터(John Lasseter)란 이름을 알게 되었습니다. 존 라세터라는 이름은 저에게는 또 다른 인생의 전환점이었던 것 같습니다. 그는 <토이스토리> (Toy Story : Pixar 제작)의 제작자이면서 미야자키 하야오를 미국에 소개한 장본인이며, 국내에선 <카>(Cars)의 제작으로 유명한 픽사(Pixar)의 크리에이티브 부사장이기도 합니다. 1995년 <토이스토리>가 국내에 개봉했을 당시 ‘어떻게 셀 애니메이션이 아닌 컴퓨터로 이렇게 재미있는 애니메이션 영화를 만들 수 있을까?’란 물음표가 생겼을 쯤, 존 라세터가 <토이스토리>의 제작자였다는 사실은 저에게 더욱 CG에 대한 열망을 주었고 유학을 결심한 결정적인 이유였습니다. 유학을 결심했을 무렵 친구들과 회포를 풀면서 이야기를 하다가 우연한 기회에 만화가 이현세 씨 그리고 야설록 씨를 만나게 됐습니다. 처음에는 그냥 펜으로 친필 사인이 담긴 한 장의 그림을 받았고, 따로 애니메이션에 관한 조언을 해주시더군요. 그때가 유학을 떠나기 이틀 전이었으니 존 라세터란 인물을 알게 된 것이 유학을 위한 전환점이었다면, 이현세 씨를 만나게 된 계기는 제 인생을 새로운 도전의 길로 인도하고 계발할 수 있도록 지지해준 나침반이며 아티스트로 가기 위한 시작점이 아니었나 생각됩니다.

테크니컬러에 대해 소개해 주세요.

헐리우드의 메이저 영화제작사들이 CG산업으로 그 영역을 확장 이동하고 있으며 현재의 CG산업은 전문화된 장비나 인력에 집중적인 투자를 하고 있습니다. 미국의 아웃소싱 컴퍼니는 여러분들이 생소하시겠지만, 테크니컬러도 기존의 영화 음양 및 스크린 사업에서 회사 내 CG분야 규모가 커지면서 주력분야가 바뀌고 있습니다. 테크니컬러는 1915년 미국 보스턴에서 테크니컬러 모션 픽쳐 법인(TechnicolorMotion Picture Corporation)으로 시작 훗날 헐리우드로 옮겨 Technicolor. Inc로 영화 전반에 걸친 컬러 프린팅과 사운드 레코딩을 위주로 성장하였으며, 2001년 프랑스 톰슨(Thomson)사와의 합병으로 인해 RCA사와 더불어 방송 및 DVD사업, 즉 전반적인 멀티미디어 사업으로 그 사업이 확장되어 2002년 영국의 MPC(Moving Picture Company)가 자회사로 되면서 또 다른 사업으로 게임분야에 뛰어들게 됐습니다. 현재는 미국 내 30개주, 전 세계 100개 나라에 브랜치(Branch)를 가진 대표적인 음향, 영화 및 게임 아웃소싱 회사로 성장했습니다. 제가 일하는 버뱅크의 테크니컬러는 미국에서 켈리포니아주의 멀티미디어 사업을 총괄하는 메인으로서 현재 서브타이틀, 사운드, DVD프로덕션 및 게임 시네메틱을 주 업무로 100여명 정도의 직원이 일하고 있으며, 게임의 플랫폼이 발전함에 따라 인게임 시네메틱을 시작으로 업무의 타깃을 점점 게임 시네메틱에서 게임 개발을 위한 사업으로 그 성향이 변하고 있습니다. 현재까지 테크니컬러는 영화에서는 많은 크레딧을 가지고 있고 뒤늦게 시작한 게임 사업이지만 적절한 각국의 브랜치를 이용함으로써 많은 노하우를 축척하고 있습니다. 출시된 게임 중엔 국내 게임팬들에게도 친숙한 <기어즈 오브 워>(Gears of War :PS2), <갓 오브 워2>(God of War2 : PS2), <사일런트힐>(Silent Hill : PSP), <언차티드>(Uncharted : PS3)를 비롯한 군사. 전략게임인 <블랙 사이트>(Black-Site : XBOX360)를 비롯, 어드벤처 MMO게임인 <스파이로>(SPYRO : Nintendo)의 인트로 게임 시네메틱 등을 제작하였으며, 모든 콘솔 플랫폼에 맞게 개발하고 있습니다. 국내에서 출시된 <갓 오브 워2>(God of War2)의 한글 번역 또한 테크니컬러에서 했다는 부분은 한국 시장에도 관심을 가진다는 부분이라 생각 됩니다. 현재 진행 중인 프로젝트론 출시를 기다리고 있는 미드웨이(Midway)사의 <언리얼 토너먼트>(Unreal Tournaments), <헐크>(HULK), <캐리비안의 해적>(Pirates of the Caribbean) 등 다수의 게임 시네메틱 및 게임을 여러 플랫폼에 맞게 개발하고 있습니다.

라이팅 작업과정과 회사 파이프라인 구성은 어떻게 되어 있는지 알려주세요.

제가 맡고 있는 라이팅분야의 작업과정은 텍스처와 더불어 CG에 색상을 입히는 작업이며 전반적인 작업 공정의 파이널이기도 합니다. 테크니컬러에서 다루는 툴은 오토데스크(Auto-Desk)사의 MAYA와 3D MAX를 위주로 작업하고 있습니다. 게임 시네메틱의 최종 렌더링 아웃풋은 주로 멘탈레이(Mental Ray)를 사용하고 있습니다. 테크니컬러의 라이팅 아티스트는 메인인 미국에서 준비과정 동안 최종 결과물을 위해 R&D 시간을 거쳐 그 과정에서 필요한 브랜치를 위한 작업 지침 및 소스 즉, 라이팅 셋업을 위한 멜스크립트의 버튼화 또는 렌더링 상에서의 셰이더 문제점 등을 보안하기 위해 아트 디렉터 및 파이프라인 매니저와 상의하여 테크팀의 도움을 받아 준비, 전반적인 문제를 미리 해결 작업 공정의 시간을 줄입니다. 이런 파이프라인에 의해서 전반적인 공정은 인도나 중국의 브랜치에서 70% 제작하고 있습니다. 이유인 즉, 아웃소싱 회사의 장점인 싼 가격입니다. 인건비를 낮춰 단가를 절감하겠다는 입장에서는 좋은 현상이지만 인건비를 줄인다는 이유만으론 아웃소싱이 갖는 장점보다는 단점을 보이기도 합니다. 그렇기 때문에 좋은 퀄리티를 보장하기 위해 미국 본사 직원들은 회사 파이프라인 개발에 더욱 많은 시간을 투자하며 다양한 소스를 부문별로 갖추고 이를 이용, 실제 샷에서 응용하여 시간과 노력을 줄이는 데 신경을 쓰고 있습니다. 예로 들자면 라이팅 아티스트는 자신이 만든 렌더링된 각각의 Pass를 컴파지터와 상의하여 필요한 소스를 제공하며 기본적인 컴파지팅 셋업을 컴파지터를 위해 해줍니다. 또한 게임 엔진상에서의 라이팅 작업은 회사마다 플랫폼이 다양하여 브랜치에서 준비되기 전에 크라이언트사의 교육과정을 거쳐 새로운 툴에 대한 습득을 하기도 하며 회사자체엔진 개발보다는 안정적인 EPIC사의 언리얼 엔진을 위주로 작업하고 있습니다. 언리얼 엔진은 원래 엔진 라이센스 비즈니스를 위해 만들어진 독립적인 상품이 아니었습니다. EPIC사가 1998년에 출시한 FPS 게임 언리얼을 위해 만들어진 엔진인데, 언리얼 토너먼트 엔진 이후에 언리얼 워페어 엔진부터는 언리얼 엔진이 제공됐습니다. 지금 제가 속한 테크니컬러도 자체 엔진 개발의 리스크보다는 가격은 비싸나 많은 개발소스를 자랑하고 퀄리티가 좋다고 판단되는 언리얼 엔진을 구입해서 쓰고 있습니다

아마도 회사의 사업상, 적은 시간에 많은 이윤을 창출하기 위함이라 생각합니다. 소프트웨어적인 부분에서 헐리우드의 다른 제작사는 리눅스(Linux) 기반으로 그들의 어플리케이션을 만드는 것이 일반적입니다. 디지탈도메인에서 영화 타이타닉을 제작하면서 이런 분위기가 헐리우드 여러 제작사에 불었는데, 테크니컬러에서는 리눅스 기반으로 제작하기 보다는 게임 개발에 중심을 두기 때문에 콘솔 게임의 특성을 위해 PC와 콘솔게임의 그래픽적인 부분을 원활하게 하기 위해서 렌더팜 부분과 실무자들의 그래픽 워크스테이션 부분, 즉 작업자의 모든 부분이 고려되었기 때문에 리눅스(Linux)가 회사에서는 사용하기 적합하지 않은 OS라 생각하고 있습니다.

업무환경과 프로젝트에 대한 작업시간은 어떻게 됩니까?

따로 출근시간이 정해져 있진 않습니다. 각자 10시에서 11시 사이에 자유롭게 출근해 정해져 있는 스케줄에 맞춰 일을 진행 합니다. 보통 단기 프로젝트에는 2주의 시간이 정해지며 장기적인 프로젝트는 3~4개월의 시간이 소요됩니다. 사내 규율에 따라, 프로젝트를 위해 보통 하루 8시간을 할애하도록 규정하고 있습니다. 각 부서의 슈퍼바이저들은 아티스트들의 작업소요시간을 감안하여 소요일자를 계산하고, 제안서를 작성, 아웃소싱에 걸맞게 각국의 브랜치와의 시차를 감안하여 24시간 프로젝트를 진행하고 있습니다.

특별히 기억에 남는 작품은 어떤 작품인가요?

미드웨이(Midway)사의 출시작 <블랙 사이트>(Black-Site)는 제가 처음으로 텍스처 라이팅 아티스트가 아닌 레벨 디자이너로 실제 게임의 디자인을 해본 첫 작품이기에 애착이 많이 갑니다. 마야(MAYA)를 사용한 시네메틱을 주 업무로 하던 저에게 2달간의 교육과정과 난무한 지식을 가진 저에게 엔진 상에서의 레벨 디자인과 전반적인 라이팅 제작은 흥미 반 두려움 반이었습니다. 새로운 분야에 대한 도전이었기 때문에 완성된 지금은 너무 뿌듯합니다.

여가시간은 어떻게 보내는지요?

스쿠버 다이빙과 사진 찍기를 좋아합니다. 예전에 살았던 샌프란시스코는 다양한 문화가 있는 유서 깊은 도시이기 때문에 작품사진을 찍기 가장 좋은 환경을 가졌습니다. 대학 다닐 때 사진학을 배워보긴 했지만 그다지 흥미를 느끼진 못했는데 샌프란시스코에서 만난 사진 작가며, 라이팅 아티스트인 절친한 친구인 구범석의 도움으로 다시 흥미를 갖고 사진작업을 시작했는데, 사진기술은 CG에서 라이팅 아티스트로 빛에 대한 이론을 공부할 수 있고, 또 레퍼런스 소스로 사용할 수 있는 이점이 있습니다. 즉 취미생활이 바로 업무의 연장선이 된다는 이점이 있습니다. 그래서 현재 개인적으로 사진 동호회도 운영하고 있고, 언젠가는 수중 촬영에도 도전해 보고 싶습니다.

미국의 게임시장과 한국의 게임 시장의 차이점은 무엇이라 생각하십니까?

미국의 게임산업은 온라인 위주의 게임 사업이 아닌 콘솔게임에 의존한 사업이 많습니다. 물론 한국과 같이 인터넷이 발달한 아시아권이라면 온라인 시장을 주 타깃으로 겨냥할 수 있지만 미국과 같이 땅이 크며 인터넷이 아시아권에 비해 느린 경우 콘솔박스의 시장이 장기적으로 안정된 시장을 꾸려 나갈 수 있고, 미국은 그래픽의 발달보단 테크놀로지에 더욱 열광하고 있다고 봅니다. 다른 나라에 비해 콘솔 플랫폼의 보급이 월등하다는 것이 이를 대변해주는 증거이기도 하고요. 또 다른 이유론 한국은 인터넷의 발달로 누구나 장소에 아랑곳 하지 않고 온라인에 접속할 수 있어 전략게임이 주종을 이루는 반면 미국은 그 시장의 타깃을 10대에서 20대초에 맞추어 게임 선택 시 부모의 의사를 중요시하고 있습니다. 그래서 어린 학생들이 혼자 온라인에 접속한다는 것이 그리 쉽지 않습니다. 또한 미국 대다수의 온라인 게임회사들은 그 동안 성인을 위한 서비스에 많은 투자를 했지 어린이들을 위한 콘텐츠 개발은 전무한 편이기도 합니다. 또한 온라인 게임으로 단절된 생활을 우려하는 목소리가 높은 반면에, 다인 가족을 구성하는 미국의 사회에서 콘솔게임은 가족을 거실로 모이도록 하는 매개체가 아닌가 생각됩니다. 닌텐도의 신형 게임콘솔 위(Wii)를 봐도 그 설명이 뒷받침 되는 것 같습니다.

CG아티스트가 되기 위한 과정과 CG를 준비하는 후배들에게 당부하고 싶은 말을 해주세요.

첫째, 누구나 쉽게 말하듯 CG에 대한 애착이 있어야 된다고 생각합니다. 사실상 이것이 가장 중요한 덕목입니다. CG가 기술적인 것에 의존하는 분야라고 생각하시는 분들도 있습니다만, 기술만으로 되는 것은 아닙니다. 거장들이 늘 습작을 만들며 노력을 하듯이 CG아티스트들도 마찬가지입니다. 날카로운 관찰력을 키우기 위해, 일반적인 사물을 그냥 좌시하면 안 됩니다. 물론 그때 본 상황은 그냥 스쳐지나가는 잔상들에 불과 합니다. 하지만 창의적인 것은 언제나 사물에 근거한 이론이 바탕으로 이런 잔상에 의미를 부여해서 그 의미가 창조적인 작업물이 된다고 생각합니다.

둘째, 스스로 자신의 작업에 대한 타인의 평가를 져버리면 안 된다고 생각합니다. 혼자서 몰입한 작업은 가끔씩 치명적인 실수를 덮어버리게 될 확률이 높다고 생각합니다. 하나의 사실에 너무 집중한다는 것은 자신의 발전을 저하하기도하며 급변하는 CG업계에 빠르게 대응하기도 힘들 것이라 생각됩니다. 제가 이런 모든 것들을 언급하는 이유는 이 업계의 사람들이 특히나 이제 막 발을 들여놓은 사람들이 그들 자신을 틀에 고정시켜 업계에 대한 그에 따른 좁은 시야를 갖게 되는 것이 매우 일반적이라는 것을 알았기 때문입니다. 취업을 준비하는 대부분의 준비생들조차도 머릿속으로 "나는 모델러야, 캐릭터 셋업 리거야, 애니메이터야"라는 생각을 갖는 것을 서두르는 것 같습니다. 물론 하나의 일에 집중하여 자신의 스페셜리스트를 만든다는 것만큼 중요한 것은 없습니다. 하지만 프로젝트를 하나하나 진행하는데 있어 각각에 해당되는 프로세스를 이해하지 못한다면 더 큰 실수를 부를수 있기 때문입니다. 저는 솔직히 모든 것에 대한 능동적인 관심과 열린 마음 자세를 유지하는 것은 꼭 CG를 공부하는 학생들에게만 국한된 것이 아니고 모든 업계에서 일하시는 분들에게도 포함된 마인드라 생각됩니다. 마지막으로 적극적인 연구와 공부입니다. 좋은 아이디어와 콘셉트가 있는데 그것을 구현시킬 기술적인 사항이 뒷받침되지 않는다면, 시간과 노력을 들이고도 낮은 퀄리티의 작품을 만들게 되는 일이 대부분입니다. 따라서 특정 프로젝트에 대해 어떤 방법으로 접근하고 어떻게 표현할 것인지를 자신에게 끊임없이 되물어보고 판단하는 데는 부단한 R&D가 결정적인 배경이 된다고 생각합니다. 보통, 3D를 공부할 때 보면 작품을 만들면서 해결책을 찾는 경우가 더 많은 것 같습니다. 그럴 경우 가급적이면 성공적인 R&D 작업 파일은 알아보기 쉬운 이름으로 정리하여 각각의 폴더에 보관하는 것을 권장합니다. 개인작업이든, 공동작업이든 결국 이러한 파일 컬렉션이 나중에 중요한 소스로 작용합니다. 자신의 일을 사랑하십시오. 비온 뒤 마른땅이 단단해지듯 피로보다는 결과물에 대한 보람으로 일하게 되는 것 같습니다. ‘기술’은 실제로는 기술이 아니라 CG에 대한 사랑입니다. 지금 현재 CG를 시작하는 모든 분들, 지금은 여러 가지 궁금증과 문제에 머리를 맞대고 있지만 현재 필드에서 일하시는 모든 선배님들과 동료들 또한 더 나은 퀄리티에 도전하기 위해 많은 노력과 시간을 투자하며 공부하고 있습니다.