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[인터뷰/칼럼]아티스트 클린트 설리(Clint Cearley)   2013-02-07
클린트 설리(Clint Cearley)는 놀랍고 고무적인 아티스트입니다. 그는 파스텔과 유화를 사용하는 전통적인 방식과 디지털 방식으로 모두 작업을 합니다. 오늘의 인터뷰에서는 아트와 디지털 디자인의 분야에서 어떻게 성장을 하였고, 그가 다양한 미디어의 실험을 한 이
씨지랜드기자 cgland@cgland.com
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클린트 설리(Clint Cearley)는 놀랍고 고무적인 아티스트입니다. 그는 파스텔과 유화를 사용하는 전통적인 방식과 디지털 방식으로 모두 작업을 합니다. 오늘의 인터뷰에서는 아트와 디지털 디자인의 분야에서 어떻게 성장을 하였고, 그가 다양한 미디어의 실험을 한 이야기, 그리고 이러한 경험들이 오늘날의 그에게 어떻게 도움을 주었는지 나누어 줄 것 입니다.

 

 “전통적인 아트는 나에게 더 깊은 만족감을 준다.
작품을 완성한 후에 무언가 실제로 존재하고 벽에 걸어놓을 수 있는 특별한 것을 소유하게 되지요”

 

“아이들이 쉴 새 없이 계속 그리기만 하면 어떻게 되는지를 잘 보여주는 예가 바로 저라고 생각합니다.” 당신이 한 이 말이 무엇을 의미하는지 알려주시겠어요?
대부분의 사람들이 학교에서 항상 뭔가를 끼적거리는 아이들을 기억할 겁니다. 많은 이들이 어렸을 때 이러다, 나이가 들면서 다른 활동들이 이를 대신하게 되며 대부분 관두게 되지요. 하지만 저의 경우는 달랐어요. 만약 끄적거리는 것을 계속하게 된다면, 결국 저와 같은 일러스트레이터, 패션 디자이너, 컨셉 아티스트가 될 겁니다. 만약 당신이 아이이고 색칠하는 것에 정말 뛰어나다면, 언젠가는 누군가 당신이 그것을 계속하도록 돈을 줄 겁니다.

 

“디지털 아트에 있어서는 새롭게 시도하고 아이디어들을 빨리 표현할 수 있는 점이 좋습니다.
실수하는 것에 대해서 걱정할 필요가 없지요.”

 

그렇다면 확실히 끄적거렸던 것들이 당신의 인생에 굉장한 영향을 주었겠네요. 일러스트레이터의 일은 언제 시작하셨나요? 큰 회사들을 위해 일하신 적이 있으신가요? 아님 계속 프리랜서로만 일하셨나요?
상업적인 아트에서의 시작은 17살 때 초상화를 그런 거였어요. 파스텔과 유화로 작업했고, 그래픽 디자이너가 될 때까지 2년간 그 일을 했죠. 일러스트레이션으로 바꾸기 전까지 디자인 일을 약 7년간 했습니다. 항상 프리랜서로 일해왔지만, 상황에 따라서 큰 회사에서 일하고 싶은 마음도 있습니다.

 

당신께서는 놀라울 정도로 다양한 포트폴리오를 가지고 계시네요. 모든 작품들을 살펴보느라고 참 힘들었습니다. 저는 당신의 디지털 작품만큼 전통적인 작품들도 참 좋아합니다. 둘 중 당신이 애착을 갖는 쪽은 무엇인가요? 일러스트레이터로 만족을 느끼는 것은 무엇인가요?
전통적인 작품이 제게 만족감을 더 줍니다. 작품을 완성한 후에 무언가 실제로 존재하고 벽에 걸어놓을 수 있는 특별한 것을 소유하게 되지요. 여기에는 Ctrl + z(바로 전으로 돌아가는 기능)가 없습니다. 따라서 그 자체만의 특별한 시각적 기록인 것이고, 저는 이점을 좋아합니다. 디지털 아트에 있어서는 새롭게 시도하고 아이디어들을 빨리 표현할 수 있는 점이 좋습니다. 실수하는 것에 대해서 걱정할 필요가 없지요. 예술적인 이해를 위해서 디지털 아트는 보다 나은 학습 도구입니다. 하지만 조금은 인간미가 떨어집니다.

 

완전 동감입니다. 당신의 프로필을 확인해보니, 사진도 잘 찍으시는 것 같습니다. 개인적인 참고용으로 사용하십니까? 아님 아티스트로 활동하는데 있어서 중요한 것으로 사용하십니까?
제 사진들은 주로 포즈(pose)를 참고하는데 사용하거나 여행사진으로 사용합니다. 사진기술을 잘 알고 있으며, 카메라 작동하는 것을 이해하는데 공부를 많이 했습니다. 하지만 아주 전문적인 공부를 하지는 않았습니다.

 

“배경음악이 장면과 장면, 영화와 영화에서 조정이 되어야 하는 것처럼,
컬러리스트 스타일도 그려진 작품에 맞게 조절해야 합니다.”

 

만화 분야에 일도 많이 하셨고, 굉장한 컬러리스트(colorist)의 포트폴리오도 많이 가지고 계시는데요. 다른 사람의 작품을 작업하는 것을 어떻게 생각하시나요? 제한된다고 느끼시나요? 어떤 점이 맘에 드시나요?
컬러리스트 작업에 대한 정말 좋은 점은 프로젝트를 전부다 책임을 질 필요가 없다는 점입니다. 컬러들은 펜실러(penciler: 스토리작가)에게 영화음악과 같고, 잉커(inker)들에 있어서 카메라 앞의 배우와 같습니다. 컬러는 아트에 강조를 주기 위해서 존재하지, 이를 압도해서는 안됩니다. 대부분의 작업들이 삽화작업 이전에 이미 결정이 됩니다. 당신이 쓸데없이 시간을 낭비할 필요가 없다는 점이 좋을 수도 있고 나쁠 수도 있지만, 작업하는데 있어서 때로는 당신이 필요한 것보다 더 제한이 될 수도 있습니다. 배경음악이 장면과 장면, 영화와 영화에서 조정이 되어야 하는 것처럼, 컬러리스트 스타일도 그려진 작품에 맞게 조절해야 합니다. 부드럽고 만화스러운(cartoonish) 렌더링(rendering)은 지저분한 잉크스타일(ink style)보다 훨씬 다르게 다루어져야 합니다.

 

당신의 프로젝트와 일러스트레이션에서 어떤 작품이 가장 맘에 들며, 어떤 작품의 제작을 즐기셨나요?
비록 개인적인 작품이기는 하지만 The Naiads를 가장 맘에 듭니다. 이 작품에서 많은 것들이 정신적으로 함께 조화를 잘 이루었고, 제 예술에서 새로운 시기를 시작하게 해주었죠. 또한, 클래식한 분위기가 담겨있는 작품이기도 합니다. 상업적인 일러스트레이션에서는 작년 6월에 작업했던 Magic: The Gathering가 가장 맘에 듭니다. 사실은 아직 공개가 되지 않아서 이름을 말씀드릴 수는 없습니다. 하지만 역동적인 동작이 표현되고, 모든 것이 꽤 부드럽게 조화를 이루고, 또 제가 생각했던 것과 아주 가까워서 좋아합니다.

 

 

 

요즘도 큰 프로젝트 때문에 바쁘신가요? 그것에 대해서 말씀해 주실 수 있나요?
최근에 Magic: The Gathering를 위해서 3개의 일러스트레이션을 작업하고 있습니다. 비디오게임의 컨셉아트(concept art)를 논의 중에 있고요. 또 이는 제가 오랫동안 생각해오던 일인데, 교육적인 자료들을 만들고 있습니다.

 

당신이 좋아하는 몇몇의 비주얼 아티스트들을 꼽았는데요. 이들의 작품이 상당히 다양합니다. 꿈 같은 로맨틱 스타일의 Waterhouse에서 엄청난 능력을 가진 여자주인공과 판타지 인물들을 스타일화한 렌더링으로 알려진 Adam Hughes, 그리고 미국사실주의 아티스트인 Jeremy Lipking, 사실 이분에 대해서는 들어 본적이 없습니다. 그들의 작품 전체에서 영감을 얻으시나요? 그들의 작품들을 깊이 연구해서 배우시나요?
둘 다입니다. 보통 처음에 각 작품의 배경에서 영감을 얻어요. 그리고 작품의 창조 과정에서 영감을 얻습니다. 예전에 제가 아트에서 배웠던 무언가가 지금의 그리는 방식이 됩니다. 어떤 작품이 “와 정말 대단하다”라고 말하는 것은 아무런 의미가 없습니다. 어떤 것이 감동을 주는지 분명히 밝히고, 이해해야 합니다. 이해하는 것을 통하여 당신의 작품에 적용이 가능하게 됩니다. 맞습니다. 저는 계속적으로 그들의 작품을 분석하고 그들의 생각의 방식과 테크닉들을 배우고 있습니다. 작품 자체의 아름다움에 영감을 얻으면서 말이죠.
당신의 작품 제작과정에 대해서 말씀해주실수 있나요? 그밖에 당신에게 영감을 주는 것이 또 있나요?
프로젝트에 대해서 브리핑을 받은 후에, 제가 가장 먼저 하는 것은 저의 몰스킨(moleskin) 스케치북을 집어 들고 작품의 썸네일(thumbnails)의 구성을 만드는 것입니다. 또한 다양한 캐릭터 디자인과 관련된 디자인들을 시도해봅니다. 그리고 나서 포토샵으로 옮겨, 컨셉들의 큰 버전을 만들어 봅니다. 일단 대충 만들어 보는 겁니다. 그리고 작품과 관계된 아이디어를 위해 영감을 주는 장르의 작품들이나 참고용 사진들을 살펴봅니다. 제 생각들은 보는 관점에 따라 어떠한 틀 안에 제한되는 경향이 있습니다. 따라서 제가 디자인 제작을 하기 전에 참고 사진이나 다른 작품들을 보게 되면 제 작품을 설명할 수 있게 되고 틀 안에 제한되지 않게 도와줍니다. 이미지들에 사실성을 가미하기 위해 참고용 이미지들로부터 단서(cues)를 가져오고, 다른 영감의 작품들로부터 렌더링과 제가 달성하려는 레벨을 위해 단서를 가져 옵니다.

 

 

 

“교육적인 아트북(art books)을 읽거나 하는 식의 다른 이들의 작품에서 배우고 똑똑해지세요.
그리고 포럼이나 선생님으로부터 계속해서 배우세요. 

 

그림 실력을 향상시키기 원하는 새 아티스트들에게 도움이 될만한 팁이 있으신가요?
건설적인 배움(constructive input)이 없이 기술을 향상시키기는 어렵습니다. 자만하거나 게으르면 안됩니다. 교육적인 아트북(art books)을 읽고 다른 이들의 작품에서 배우고 똑똑해지세요. 포럼이나 선생님으로부터 계속해서 배우세요. 이렇게 하면 시간 낭비하는 것을 줄일 수 있습니다. 당신의 작품에서 약점(blind spots)이 무엇인지 알고 있어야 합니다. 지식(knowledge)은 사용될 때만 유용합니다. 따라서 계속해서 사용하기를 격려합니다. 그렇게 하신다면 그 결과를 보실 겁니다.

 

다음 계획이 있으신가요? 참여하고 싶은 야심적인 아이디어나 프로젝트가 있으신가요?
영역을 좀 옮겨보고 싶어요. 영화라든지 게임컨셉아트(game concept art) 영역 같은 곳이요. 이를 위해 Weta Workshop(뉴질렌드에 있는 시각효과 회사)이 생각이 나더군요. 그곳에서 나오는 모든 것을 좋아합니다. 또한, 주류 만화영역에서 일할 생각도 있습니다. 어떻게든 시간을 만들어 이젤(easel)로 돌아가서 그동안 생각해왔던 그림들을 좀 그려보고 싶습니다. 현재 사용이 불가하지만 교육적인 도구(tools)와 서비스를 개발하는 원대한 계획들도 꽤 가지고 있습니다.

 

인터뷰를 위해서 시간을 내어주셔서 대단히 감사합니다.

 

 

 
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